Artista italiano Antonello da Messina: biografía, creatividad y datos interesantes

2024 Autor: Henry Conors | [email protected]. Última modificación: 2024-02-12 06:13

Antonello da Messina es un famoso artista italiano. En el Renacimiento temprano, representó la escuela de pintura del sur. Fue maestro de Girolamo Alibrandi, apodado el Messinian Raphael. Para lograr la profundidad de color en retratos nítidos y pinturas poéticas, utilizó la técnica de la pintura al óleo. En el artículo, prestaremos atención a una breve biografía del artista y nos detendremos en su trabajo con más detalle.

Representante de la nueva dirección

Mucha información sobre la vida de Antonello da Messina es controvertida, dudosa o perdida. Pero es bastante obvio que fue él quien demostró a los artistas venecianos las luminosas posibilidades de la pintura al óleo. Así, el italiano sentó las bases de una de las áreas clave del arte de Europa occidental. Siguiendo el ejemplo de muchos otros artistas de la época, Antonello combinó la tradición holandesa de reproducción ópticamente precisa de los detalles de la imagen con innovaciones pictóricas. Italianos.

Los historiadores han encontrado un registro de que en 1456 el héroe de este artículo tenía un alumno. Es decir, muy probablemente, el pintor nació antes de 1430. El napolitano Colantonio fue el primer maestro de Antonello da Messina, cuyas obras se describen a continuación. Este hecho confirma el mensaje de J. Vasari. Justo en ese momento, Nápoles estaba bajo la influencia cultural de la península ibérica, los Países Bajos y Francia, en lugar del norte de Italia y la Toscana. Bajo la influencia del trabajo de Van Eyck y sus seguidores, el interés por la pintura aumentaba cada día. Se rumoreaba que el héroe de este artículo estudió con él la técnica de la pintura al óleo.

Retrato maestro

De nacimiento, Antonello da Messina era italiano, pero por su educación artística estaba muy relacionado con las tradiciones pictóricas del norte de Europa. Pintó magníficos retratos, que constituyen casi el treinta por ciento de sus obras supervivientes. Por lo general, Antonello representaba el busto y el primer plano de la modelo. Al mismo tiempo, los hombros y la cabeza se colocaron sobre un fondo oscuro. A veces, en primer plano, el artista pintó un parapeto con un cartellino adherido (un pequeño trozo de papel con una inscripción). La precisión ilusoria y el carácter gráfico en la transmisión de estos detalles indican que son de origen holandés.

Retrato de un hombre

Este cuadro fue pintado por Antonello da Messina en 1474-1475. es una de sus mejores obras. La paleta del maestro se limita a ricos tonos marrones, negros e individuales de carne yFlores blancas. La excepción es el sombrero rojo, complementado con una franja roja oscura que se asoma en el vestido inferior. El mundo interior del modelo dibujado prácticamente no se revela. Pero el rostro irradia inteligencia y energía. Antonello lo modeló muy sutilmente con claroscuros. El dibujo nítido de los rasgos faciales, combinado con el juego de luces, dota a la obra de Antonello de una expresividad casi escultórica.

Es un hombre

Los retratos del italiano atraen al espectador con una superficie brillante y reluciente y un formato de cámara. Y cuando Messina transfiere estas cualidades a la pintura religiosa (la pintura “Esto es un hombre”), la visión del sufrimiento humano se vuelve terriblemente dolorosa.

Con lágrimas en el rostro y una soga alrededor del cuello, el Cristo desnudo mira fijamente al espectador. Su figura ocupa casi todo el campo del lienzo. La interpretación de la trama es ligeramente diferente del tema de la pintura de iconos. El italiano buscó transmitir la imagen psicológica y física de Cristo de la manera más realista posible. Esto es lo que hace que el espectador se centre en el significado del sufrimiento de Jesús.

María Anunciada de Antonello da Messina

Este trabajo, a diferencia de la imagen "Este es un hombre", tiene un estado de ánimo completamente diferente. Pero por parte del espectador, también requiere una experiencia interior y una participación emocional. En cuanto a "Maria Annunziata", Antonello parece colocar al espectador en el lugar del arcángel en el espacio. Esto da una sensación de complicidad mental. La Virgen María, sentada ante el atril, sostiene con la mano izquierda el velo azul que le echan encima y levanta la otra mano. Femeninocompletamente tranquila y pensativa, su cabeza esculpida e iluminada uniformemente parece irradiar luz contra el fondo oscuro de la imagen.

“Maria Annunziata” no es el único busto de mujer pintado por Antonello da Messina. “La Anunciación” es el nombre de otro cuadro similar del pintor, que representa a la misma Virgen María, solo que en una posición diferente: sostiene el velo azul con ambas manos.

En ambas pinturas, el artista trató de expresar el sentimiento de conexión espiritual de una mujer con poderes superiores. Su expresión facial, la postura de sus manos y cabeza, así como su mirada le dicen al espectador que Mary ahora está lejos del mundo de los mortales. Y el fondo negro de las pinturas solo enfatiza el desapego de la Virgen.

St. Jerome en la celda

En las imágenes discutidas anteriormente, no hay ni siquiera un mínimo interés en el problema de transferir el espacio circundante. Pero en otras obras, el pintor en este sentido se adelantó significativamente a su tiempo. En el cuadro St. Jerome in a Cell” representa a un santo leyendo en un atril. Su estudio está ubicado dentro de una sala gótica, en cuya pared posterior se cortan ventanas en dos pisos. En primer plano, la imagen está enmarcada por un borde y un arco. Se perciben como proskenio (una técnica común en el arte de los países al norte de los Alpes). El color mostaza de la piedra enfatiza el contraste de sombras y luces dentro del espacio similar a una cueva. Los detalles de la imagen (paisaje a lo lejos, pájaros, objetos en los estantes) se transmiten con un alto grado de precisión. Este efecto se puede lograr solo cuando se aplica pintura al óleo con bastante pequeñatrazos Pero la ventaja más importante de pintar sí Messina todavía no está en la transferencia confiable de detalles, sino en la unidad estilística del ambiente aéreo y la luz.

Altar monumental

En 1475-1476 el artista vivía en Venecia. Allí pintó un magnífico retablo para la iglesia de San Cassiano. Desafortunadamente, solo su parte central ha sobrevivido hasta el día de hoy, donde se representa a la Virgen con el Niño en lo alto del trono. A ambos lados hay santos. Este altar pertenece al tipo sacra conversione. Es decir, la Virgen y el Niño y los santos están en el mismo espacio. Y esto es opuesto en forma a un políptico dividido en partes. La reconstrucción del altar monumental se basó en las obras posteriores de Giovanni Bellini.

"Piedad" y "Crucifixión"

La pintura al óleo de Antonello, o mejor dicho, la capacidad de transmitir la iluminación con esta técnica, fue muy apreciada por sus compañeros artistas. Desde entonces, el colorismo veneciano se ha basado únicamente en el desarrollo del gran potencial de una nueva dirección. Las obras de Da Messina del período veneciano siguen la misma tendencia conceptual que sus obras anteriores. La pintura "Piedad", muy desgastada, incluso en un estado tan dañado, llena a la audiencia con un tenso sentimiento de compasión. Sobre la tapa de la tumba, el cuerpo muerto de Cristo está sostenido por tres ángeles con alas puntiagudas que cortan el aire. El artista representó el primer plano de la figura central.

Es como si se presionara contra la superficie del lienzo. Empatía con el sufrimiento representado: eso es lo que, utilizando la técnica anterior, logró Antonello da Messina. "Crucifixión" es otro cuadro del pintor. Es similar en tema a Pieta. El lienzo representa a Jesús crucificado en la cruz. A su derecha se sienta María y a su izquierda el apóstol Juan. Al igual que Pieta, la pintura pretende evocar empatía en el espectador.

San Sebastián

Esta pintura es un ejemplo de cómo Antonello compitió en desnudez heroica y dominio de la perspectiva lineal con sus homólogos del norte de Italia. Sobre el fondo de la plaza empedrada, el cuerpo del santo atravesado por flechas adquiere enormes dimensiones. El espacio que se precipita hacia las profundidades, un fragmento de columna en primer plano y una perspectiva con un punto de fuga muy bajo confirman que el pintor utilizó los principios de la geometría euclidiana en la construcción de la composición.

Datos interesantes

• Antonello da Messina, cuyas pinturas se describieron anteriormente, generalmente representaba a sus héroes de busto, de cerca y contra un fondo oscuro.
• Según G. Vasari, el italiano viajó a los Países Bajos para aprender el secreto de una nueva técnica pictórica. Sin embargo, este hecho no ha sido probado.
• Hasta ahora, no se ha establecido de manera confiable quién le enseñó pintura al óleo al héroe de este artículo. Se rumoreaba que era Van Eyck.